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La maldición del 27

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Como si de algún extraño maleficio se tratase, el número 27 ha marcado la vida de todos ellos por una simple razón; todos tenían 27 años en el momento en que fallecieron. Pero no son dos cifras todo lo que les une: las controvertidas circunstancias en que se produjeron sus muertes y una rigurosa subordinación al clásico “sexo, drogas y rock and roll” en vida, han echado más leña a un fuego que se mantiene encendido desde la muerte de Robert Johnson en 1938. Amy Winehouse, la excéntrica cantante británica que con apenas veinte años se convirtió en una de las grandes voces blancas del soul, es la última incorporación a una lista que parece engrosarse a medida que pasan los años y los excesos hacen mella en unas vidas tan cortas como desenfrenadas.

Aunque todo esto no parezca existir sobre la alfombra roja, lo cierto es que el trágico destino al que se ven abocados actores, músicos o personajes del mundo de la moda parece cada vez más “deformación profesional” que algo ligado a las características de cada persona. No se puede establecer un mismo desencadenante de este sistemático apego de las estrellas a los estupefacientes, pero es una “práctica” tan habitual que muchos lo asumen como una característica más de la profesión, mientras la época dorada de Hollywood parece brillar un poco menos bajo la sombra de la adicción a las drogas.

Rodó Mena, Isabel; S3E, 3B1

 

Mientras no elijas, todo sigue siendo posible

Las vidas posibles de Mr. Nobody. Corre el año 2092. El señor Nobody, un anciano que sobrepasa los cien años de edad, es el único ser mortal que habita en nuestro planeta, ya plagado por hombres que han conseguido hacerse con la inmortalidad gracias a años y años de investigación en avances científicos. En su lecho de muerte, el protagonista recuerda su existencia, rememorando un momento trágico que marcó para siempre su vida, un hecho muy significativo: la elección entre su padre o su madre cuando estos deciden poner fin a su relación matrimonial. Una elección que puede desencadenar diferentes vidas.

Jugar con el pasado, el presente y el futuro. Jugar con lo real, lo imaginario, lo posible y lo imposible. ¿Cuántas veces nos hemos planteado nuestra existencia? ¿En cuántas ocasiones hemos pensado: qué pasaría si…? ¿Existe realmente el destino? ¿Se encuentra escrito? ¿Podemos cambiarlo?

No serán pocas las ocasiones en las que nos hemos encontrado en un cruce de caminos. Un cruce de caminos al cual no sabíamos cómo enfrentarnos satisfactoriamente. Sin embargo, la vida sigue. Debemos seguir adelante.

Pero, ¿qué pasaría si…? ¿Conoceremos las opciones descartadas en algún momento de nuestra existencia?

Valderrama Vázquez GBCP 4b2

Waking Ned

Despertando a Ned es una película de 1998 dirigida por Kirk Jones, protagonizada por Ian Bannen, David Kelly y Fionnula Flanagan.

Tullymore es un pequeño pueblo irlandés cuya tranquilidad se rompe cuando a uno de sus 52 habitantes le toca la lotería. Jackie O’Shea y Michael O’Sullivan, dos amigos descubren que el ganador del premio es Ned Devine, y que, al descubrir que había ganado muriera con el boleto en sus manos. El problema es que el boleto estaba firmado, por lo que para poder cobrar el dinero del premio, Michael debe hacerse pasar por el difunto.

El problema surge cuando un inspector de la lotería les comunica que debe hablar con todo el pueblo para asegurarse de que Michael es el propietario del boleto. En ese momento se ven obligados a involucrar a todo el pueblo, prometiendo repartir el premio entre todos si colaboran. Sin embargo una cascarrabias del pueblo, intenta chantajear a los dos amigos, pidiéndoles más dinero que a los demás a cambio de su colaboración. Al negarse intenta informar del fraude, sin mucho éxito.

¿Y vosotros que haríais si os encontraseis en esa situación? ¿Colaboraríais con el resto de vuestros vecinos o los denunciariais?

Casalderrey Carballal, S1C, 1B1.

Lucha por llegar a lo más alto: La competitividad periodística y no periodística.

El sábado por la noche, en un largo período de insomnio, se me ocurrió hacer zapping en los 50 canales que tengo contratados en casa ( la mitad sobran, no sé para qué tanto canal) y encontré una película que iba sobre mi tema favorito : “los informativos en televisión”.

La película se titulaba “El Reportero: La leyenda de Ron Burgundi” una comedia agria,  basada en los años setenta, en la que Ron Burgundi es el presentador más famoso de la Ciudad de San Diego (en el Canal 4)

Todo eragenial en la vida de Ron, era famoso, un periodista reconocido, cobraba un buen sueldo etchasta que llegó Verónica Corignstone ( Cristina Applegate),

una reportera feminista y ambiciosa con ganas de escalar a lo más alto. A Ron le pareció incluso gracioso que “una mujer intentara ser reportera”(son los años 70 en EE.UU)  e incluso se  lió con ella. Pero las tornas cambiaron cuando Verónica lo tuvo que sustituir como presentadora de las noticias. Ninguno de sus compañeros la apoyaba, ella era el hazmereir de toda la redacción (cargada de hombres dispuestos a no perder su virilidad). Se suceden una serie de luchas, de competitividades por conseguir ser el presentador más famoso de San Diego. El drama de Ron llega cuando una compañera de Verónica se entera de que él lee al pie de la letra todo lo que pone en el teleprompter. Se puede ver cómo acaba esto, a Ron en la despedida le escriben “que te enculen San Diego” cosa que hizo que arruinara su carrera y que más adelante se solucionaría. Pero esta no es la única historia de competitividad periodística, pues entre los diversos equipos informativos de la ciudad también existe dicha rivalidad. Los equipos informativos mantienen una lucha (literal) cual bandas callejeras que luchan por conseguir su territorio e incluso se pisotean unos a otros en el momento de cubrir noticias (un reportero de la televisión pública tiró a Verónica a la jaula de los osos cuando estaban cubriendo una noticia en el zoo, para que ésta no le quitara el mejor plano para captar una imagen)

Esto me llevó a pensar el nivel de competitividad que se tiene que soportar en profesiones de este calibre, pero lo peor de todo es que esta competitividad se aprecia incluso en la carrera, donde el compañerismo se pierde por un simple 10 en un trabajo. Donde, en muchos casos, no se ayuda al prójimo por el mero hecho de ver que lo va a hacer mejor que nosotros. Pero creo que esto no pasa solamente en periodismo, si no en derecho, en farmacia, en medicina. En todas las profesiones existe esa competitividad tan buena como insana. Pues ayuda a escalar puestos pero elimina el compañerismo.

Asensio Castro Carlos, GBCP

No estamos preparados

Ni mucho menos, para habitar un mundo tras una catástrofe global. Ya sea por un cataclismo natural o uno provocado; una guerra, una pandemia, una gigantesca llamarada solar o algo que podría parecernos imposible, como una rebelión de máquinas o un ataque zombie. Simplemente, no estamos preparados para sobrevivir al fin de la civilización.

Los avances tecnológicos han supuesto incontables mejoras y facilidades para nuestro modo de vida. Vivir, al menos para el primer mundo, es casi tan fácil que no podríamos hacerlo sin todos aquellos aparatos que ahora nos son imprescindibles. Hemos perdido instintos y capacidades que hacían de nuestros antepasados unos supervivientes, ¿cuantos sobreviviríamos sí, de repente, desapareciese la tecnología? La inmensa mayoría no sabría alimentarse sin acceso a un mercado, ni tratarse heridas sencillas sin un hospital. Nuestros cuerpos, contaminados por el sofá y la comida basura, no aguantarían mucho tiempo sin un refugio con calefacción y agua caliente. Por supuesto, nosotros no tenemos la culpa, al fin y al cabo hemos nacido en un mundo “fácil”, donde nuestra especie, al contrario que las demás, ya no tiene que sobrevivir, sino vivir. ¿Qué dirían de nosotros los espartanos? Lo gracioso del caso, es que son aquellas personas a las que el primer mundo está sangrando, las que han vivido siempre en la miseria, las mejor preparadas para vivir en un mundo en el que nosotros desapareceríamos.

Pérez Pérez. S3F, 3B2

Put the blame on Gilda…

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Año 1946. Blanco y negro. Y una femme fatale en pantalla. Hablo de Gilda, una película y un escándalo para la época, tanto que en países como España, fue considerada gravemente peligrosa por la Iglesia Católica y por la sociedad más conservadora.

En realidad, es una película menor, de bajo presupuesto, sin ningún valor cinematográfico excepcional. Son sus circunstancias y todo lo que significó en la época lo que la convirtió en un clásico. Gilda (Rita Hatworth) fue una de las femme fatale por excelencia, que mediante el misterio y la atracción pasó a la historia levantando pasiones. Considerada por muchos, imprescindible para el desarrollo de la liberación femenina a causa del poder que ejerce sobre los personajes masculinos, llegando incluso a hacer que pierdan la razón por ella, y su comportamiento inusual que contrasta con un ambiente conservador en el que la mujer era un simple objeto a merced de las decisiones del hombre.

Suena “Put the Blame on Mame”, y Gilda, tan provocativa e insinuante, se desprende de uno de sus guantes mientras sigue cantando y bailando al ritmo de la música. Su marido, Farrel (Glenn Ford), presa de los celos, le propicia una bofetada tan sonora, que la marcó como la escena que más sobresale de la película. Haciendo un juicio acrónico del clásico, esta acción sería impensable por parte del “héroe” en una película hoy en día. Farrel ejerce un trato vejatorio sobre ella ante la duda de las infidelidades de Gilda. Y los sentimientos amor-odio entre ellos se entremezclan hasta el punto en que se convierten en una auténtica bomba de relojería

¿Dónde se supone que estaría entonces la delgada línea que separa a la película como símbolo de liberación femenina a una sumisión ante el poder masculino?

http://www.youtube.com/watch?v=xBILSCFMg8M&feature=related

Urrea López, María. GOBE

American Way of Live

Penso que non hai mellor película para desmitificar a lexendaria industria creada ó redor do estilo de vida americano. Unha tradicional forma de vida que senta as súas bases en vivir das apariencias, do éxito económico. Un modelo que América vendeu a Occidente e que estes, á súa vez, non tardaron en asumir e venerar ata a última expresión.

Un cativador home da casa, cun bo traballo encargado de traer os cartos ó fogar. Unha compracente e atractiva muller que deixa de lado todo afán de realización persoal por cumprir co seu labor: coidar dos fillos. E a descendencia, que se debe encargar de conseguir bos resultados académicos e ser popular a partes iguais.

Estados Unidos convértese no epicentro das frustracións individuais, do consumismo, da hipocrisía e da represión sexual, e atopan neste film do británico Sam Mendes, a mellor forma de expresión. Unha traxicomedia, dende o meu punto de vista, que reflicte á perfección o labirinto interior no que o estilo de vida norteamericano, convertido no seu gran antagonista, atrapa a cada un dos personaxes facendo que as súas procuras de escapar do emblema que os viu nacer,  os acabe conducindo a un final máis dramático se cabe. Recoméndovos que a vexades e opinedes.

Fernández Fernández, S2B, 2A3

Tim Burton y Johny Deep, un dúo perfecto y aburrido

Tim Burton abre una vez más la puerta chirriante de su peculiar universo. El director estadounidense trata de sorprender este fin de semana, a los espectadores con el estreno de su nueva película “Sombras Tenebrosas”. Sin embargo, son muchos años viviendo en su planeta privado, y ya va acusando una cierta vagancia tanto a la hora de elegir la historia y dirigir a los actores, un ejemplo es Johny Deep, que repite personaje y aparece por octava vez en un película de Tim Burton. Aburren un poquito ya, no es de extrañar que Johny Depp, repita con desgana su excéntrico personaje  con el director estadounidense.

La historia de la película nos contará la historia de Barnabas Collins, un hombre que se convierte en vampiro por una bruja tras romperle el corazón a ésta. Además, es enterrado vivo y únicamente consigue escapar doscientos años después de ser apresado. Parece que a Tim Burton le encantan estas historias, así estrenará otra película en breve (en realidad proviene de un corto de Tim Burton) “Frankenweenie” también de temática oscura y tétrica en formato de animación, menos mal que Johny Deep no aparece. No por mal actor, sino por repetición.

http://www.20minutos.es/cine/cartelera/pelicula/32050/sombras-tenebrosas-dark-shadows/

http://www.filmaffinity.com/es/film264198.html

Iván Cernadas S3F, GOBE

El VIH, un antes y un después.

Se me mezclan los recuerdos. Estaba en el instituto, en la recién inaugurada asignatura de “Ciencias para o Mundo Contemporaneo” y la profesora nos llevó a la sala de video para enseñarnos una película sobre el descubrimiento del VIH y los turbios comienzos para considerarla enfermedad como tal. El problema surge cuando en mi memoria estas imágenes, de los años 80’s en San Francisco, se mezclan con la maravillosa Mi nombre es Harvey Milk. La estética es demasiado similar, y la temática, aunque no es la misma, tiene cierta similitud, ya que en la segunda se trata la integración social de los homosexuales, y en la primera, el descubrimiento del SIDA, cuyo nombre común, al principio fue “cáncer gay”.

Bendito filmaffinity y google. La película en cuestión es En el filo de la duda.

El caso, lo que quiero comentar con esto, y debo añadir, que la mejor película para comprenderlo es Philadelphia, es que la visión social del VIH y de las personas que lo padecen ha cambiado desde la época en la que estas obras están inspiradas hasta la actualidad, no demasiado, desgraciadamente, pero algo sí.

En los 80’s la gente con SIDA eran parias de la sociedad, despojos; aún hoy en muchos casos la gente los considera así, pero afortunadamente las mentalidades se van abriendo y poco a poco la gente comprende que no por el hecho de hablar con una persona que padezca esta enfermedad te contagias, y que con los tratamientos actuales pueden realizar una vida completamente normal, como todos los ciudadanos.

Ahora bien: ¿los recortes en sanidad harán más difícil aún esta integración? Habrá que verlo.

Baamonde Bermúdez, S1C, 1A2

¿Periodismo antropológico? ¿Antropología periodístico?

Esta semana, en el curso de periodismo social de Agareso, tuve la oportunidad de conocer la labor de Antropología Media Audiovisual, una productora de documentales etnográficos, entre cuyos objetivos no sólo está la divulgación de la investigación del ámbito de la antropología, sino también la transformación de nuestras sociedades a través de sus producciones.

Su director es Juan Robles, quien también da clases en la Universidad Autónoma de Madrid. Como si de una sesión con sus alumnos de antropología social se tratara, propuso a los asistentes del curso a realizar un “visionado activo”: ver un trozo de un documental de su productora y después señalar las características que revelan que el producto es efectivamente, un trabajo antropológico. Esta tarea fue más difícil de lo que se me antojaba en un principio, ya que a los pocos minutos del visionado me encontraba totalmente inmersa en la historia que me contaba, como en una emocionante película. Sin embargo, los hechos, nombres, lugares y datos que mostraba el video eran todos reales, y aunque una música y unos planos más poéticos podían inducir a lo contrario, estaba claro que yo veía un documental.

El documental etnográfico y el cine de ficción (especialmente el cine social) se entremezclan ágilmente, al igual que el documental y el reportaje periodístico. Juan Robles señala así que muchos periodistas hacen buenos estudios antropológicos, y muchos antropólogos hacen trabajos periodísticos. Entonces, ¿dónde está la diferencia entre la labor de uno y otro? La clave está en la perspectiva que adopte el profesional ante su sujeto, en cómo lo quiere representar. “La verdad no existe, existe la coherencia” son palabras de este profesor universitario, que los alumnos de periodismo hemos escuchado frecuentemente repetidas -con sus variaciones- en boca de nuestros propios profesores. De nosotros depende si crear un producto coherentemente espectactular o coherentemente comprometido con la sociedad que representa.

Neilson, S2F, 34A

La comunicación en el cine: las ventajas de un buen tráiler.

“Que buena pinta tiene esa película”, “mirarás el tráiler de esa peli”, “por el tráiler parece aburrida”… Estas son las típicas expresiones que empleamos en el momento de decidir si queremos ver una película o no. Es debido a los anuncios de los largometrajes que las grandes compañías lanzan en la televisión o en el cine, antes de otras películas, para engancharnos en un círculo de vicioso que solo tiene una salida: la cinefilia.

 El tráiler representa al 100 por 100 la comercialidad en las películas. Es habitual que las compañías distribuidoras lancen este como medio de dar a conocer lo mejor de su producto, es decir, como publicidad lo que puede ser considerado comunicación. Esta también es la forma de darnos un aperitivo del film con la intención de dejarnos con las ganas de ver como sigue. Esto se suele hacer sobre todo en las precuelas o secuelas intentando explotar un nombre de éxito. Muchas veces se da la opción de que la propia productora sabe que la película no ha salido como deseaba y necesitan incluir todo lo mejor de su película en el tráiler. Estos son algunos de los mejores trailers de la historia del cine (que no películas):

¿Vosotros que pensais? ¿Cuáles son vuestros trailers favoritos?

Oujo Paz

3A2

S2B

Protexido: Crash (2004)

Este contido está protexido por contrasinal. Para velo introduce o contrasinal a continuación:

Cine mudo: el arte de comunicar sin palabras

Dícese del cine mudo que es aquella consecución de imágenes que no posee diálogo hablado. Este periodo anterior a la introducción del sonido se conoce como la “era muda” o el “período silente”. Como personajes destacables de este tipo de películas está el gran conocido Charles Chaplin, actor de grandes éxitos como  “Luces en la ciudad”  o “El gran dictador”.

“La Edad de la Pantalla de Plata”, así se denominaba también el período del cine mudo fue desapareciendo y fue sustituido por el cine con diálogo hablado, que ha ido evolucionando hasta nuevos formatos, como el exitoso cine en tres dimensiones.

He visto bastantes películas de este tipo y digamos que me entristece el no poder ver unas producciones así hoy en día. Considero que no es necesario que todo el cine sea con diálogo. Se pueden transmitir muchas sensaciones a través de la gestualidad. Me parece una forma de hacer cine que favorece también a las personas sordas por ejemplo, que encuentran múltiples limitaciones a la hora de ir al cine. Actualmente ha salido a la parrilla cinematográfica la producción “The artist”, magnífica película que a pesar de que carece de diálogos ha sido una de las mejores que he visto en años.

¿No creéis que sería interesante el volver a retomar esta modalidad de películas, ya que además de ser beneficiosa por ejemplo para personas con discapacidad auditiva, es otro tipo de cine, y al igual que existe cine alternativo u otros tipos de cine, este también debería convivir con ellos?

 Vallo Mirás, S3D, 4B2

Compañeros, ¿o algo más?

Dentro del entorno laboral, con un trato diario, siempre terminan por surgir intereses de relaciones de amistad, románticas e incluso físicas. Según una encuesta del Wall Street Journal, un cuarenta por ciento de los consultados confesó haber tenido un romance de oficina y, en una encuesta de Vault.com, el diecinueve por ciento confesó haber tenido “encuentros” con colegas en lugares tan variopintos como la oficina del jefe o el coche.

Este tipo de relaciones traspasa también al entorno formativo secundario y universitario. En una clase media, siempre podemos encontrar una pareja de novios o algún lio durante el curso. Este comportamiento es tan común que podemos observar esta tendencia en la cultura popular. Física o Química, Gossip Girl o Skins son claras muestras televisivas de como el trato diario puede derivar en relaciones románticas entre compañeros. En el cine también encontramos ejemplos de esta conducta, American Pie, Nunca me han besado o 500 días juntos también nos muestran como compañeros de clase o de trabajo mantienen relaciones sentimentales.

Por un lado, algunos expertos apoyan la teoría de que los vínculos sentimentales pueden afectar el rendimiento y generar favoritismos. Por otro, aun estando en el entorno laboral, seguimos siendo personas con sentimientos y puede no ser recomendable luchar contra estos.

Gutiérrez Ramos TS 2E, ProT 2B2

A loita polo legado de Megaupload

Anteriormente falei nun post do novo boom do fenómeno das series de ficción que, na actualidade, podemos comprobar que se ten xeralizado por mor da gran expansión da Internet.

Pois ben, as visualizacións online e as descargas de capítulos e series completas, ao igual que ocorre coas películas e a música, recibiron un duro golpe co desmantelamento do portal de aloxamento e descarga de arquivos Megaupload. Supoño que todos recordaredes este suceso, polo que non profundizarei máis nisto. Non obstante, que ocorre agora, logo xa duns cantos meses da caída do portal de descargas por excelencia?

Loxicamente segue a ser doado descargarse arquivos da Internet, mais a situación na actualidade é un pouco caótica. Agora son moitas e moi diversas as bases de datos ás que os usuarios suben as series, as películas, as discografías… É a aquí a loita por aglomerar todo ese público que tiña rexistrado Megaupload, onde había até miles de usuarios vitalicios, cos cales aínda hoxe non se sabe o que vai ocorrer xa que tiñan pagado por selo, pero iso xa é outra historia.

Ferro Falcón, S2A, 2A3

El último mago

¿Alguien se podría imaginar el cine sin música? Imposible. Sin las bandas sonoras el cine pierde mucho. La música potencia los sentimientos que salen a relucir en cada escena. Esa melodía inquietante que aparece y desaparece en las películas de miedo o suspense o esa otra que acompaña las increíbles escenas de alegría o victoria. La música es indispensable en el cine.

Dentro del mundo de los compositores de bandas sonoras uno destaca por encima del resto. Con nada más y nada menos que 47 nominaciones a los Oscar, John Williams es la persona viva que más veces ha optado a este galardón, únicamente es superado por el ya fallecido Walt Disney, que cuenta con 59 nominaciones. Williams consiguió la estatuilla en cinco ocasiones por la música de “Tiburón”, “ET”, “La Guerra de las Galaxias” y “La lista de Schindler”.

Su estilo es denominado como neoromanticismo, destacando la influencia del compositor Richard Wagner. Su pasión por la música y su talento lo han llevado al olimpo de las bandas sonoras y por lo tanto también al de Hollywood. También autor de la música de la saga de Harry Potter o Indiana Jones, Williams alterna las bandas sonoras con obras propias y también músicas de eventos tan importantes como los juegos olímpicos.

Quizás su talento hubiera sido mucho más reconocido en otra época, mientras tanto seguiremos disfrutando de sus obras y de su incansable afán de componer más y más. Música para nuestros oídos.

Aquí os dejo una de sus obras:

Mariño Román S2F, 2B3

 

Singin’ the blues

Chicago, años cincuenta. Sexo, violencia, competencia y rock & roll. ‘Cadillac Records’ Cuenta la historia de cómo el blues se hizo popular y dio a luz al rock & roll.

Un joven inmigrante polaco y propietario de un bar, Leonard Chess, contrata al talentoso pero indisciplinado conjunto de blues que incluye al prodigio de la guitarra Muddy Waters y al impulsivo Little Walter en la armónica. Fascinado por el sonido de su música, Chess organiza una sesión de grabación para Waters. Sus primeras grabaciones comienzan a ascender en las listas de R&B, empezando a alcanzar popularidad en los alrededores.

Para Chess sus músicos eran como su familia, y siempre lo demostraba. Sin ir más lejos, cada vez que alguno de ellos grababa su primer éxito musical, Chess les regalaba un Cadillac, de ahí el origen del nombre de la discográfica.

No es hasta el año 1955 que la familia postiza de Chess entra en la música comercial (“blanca”) de Estados Unidos, con la aparición de un joven Chuck Berry, que con sus melodías pegadizas y con un matiz country marca el nacimiento del rock & roll. Pero los problemas de Chuck con la ley lo apartaron de los escenarios en la cumbre de su carrera. Justo entonces aparece en pantalla la emblemática Etta James, nueva estrella.

El rock and roll era cada vez más conocido, y con él las adicciones que jugaron con las vidas de más de uno de los artistas. Y aunque la tragedia se cierne sobre ellos, el blues siempre sobrevive.

Knight Asorey S2E, 2B3

50/50, cuando vivir es cuestión de probabilidades

50/50 fue una de las sorpresas cinéfilas del pasado año 2011, este drama con toques de comedia, o si lo preferís, esta comedia con tintes dramáticos conquistó el duro corazón de la crítica y se hizo con el favor del público. La historia de Adam (Joseph Gordon-Levitt) un joven de 27 años al que le diagnostican un cáncer cautiva desde el primer minuto. Levitt actor de moda que se afianza en la industria como intérprete de probada versatilidad y caracter emociona con una interpretación contenida y aséptica. Adam tiene cáncer, tiene que someterse a quimioterapia, tiene una novia (Bryce Dallas Howard) que no es capaz de lidiar con la enfermedad, una madre (Angelica Houston) que se angustia, un padre con Alzheimer, un mejor amigo (Seth Rogen) que permanece a su lado y una psicóloga inexperta (Anna Kendrick) que en su torpeza logra conectar con Adam.

La vida de Adam cambia por culpa del cáncer, no obstante también mejora aunque la sombra de la muerte le persiga Adam aprenderá cosas sobre si mismo, sobre los que le rodean; aceptar la propia mortalidad no es nada sencillo, sobre todo a una edad tan temprana pero dejarse llevar por la desesperación y el dolor tampoco son opciones cuando todo lo que tienes es un cincuenta por ciento de posibilidades.

Will Reiser, guionista de la película, vivió esa misma experiencia cuando con poco más de veinte años le fue diagnosticado un cáncer. Reiser escribió, aconsejado por su amigo Seth Rogen, su historia y Jonathan Levine se encargó de dirigir un libreto plagado de silencios, sonrisas y lágrimas. 50/50 es una película efectiva, sincera y honesta, ya no con el espectador sino también consigue misma; está dotada de una coherencia interna y un lento ritmo evolutivo que abruma y engancha a partes iguales. ES imposible no sentir simpatía por la situación de Adam, es impensable no reírse con las aportaciones de Seth Rogen o el grupo de quimioterapia de Adam, es necesario gritar de pura frustración cuando vemos al protagonista desatar toda su rabia en el interior de un coche y es necesario emocionarse con la escena del libro en el cuarto de baño.

(Fragmento de un post que escribí para Extracine sobre la película, pero creo que todo el mundo debería darle una oportunidad a 50/50 y no quería perder la ocasión de recomendarla)

Sánchez Andrade, S3F, T4-A

La verdad sobre Eva.

Eva es una película española del año 2011 dirigida por Kike Maíllo y protagonizada por Daniel Brühl, Claudia Vega, Alberto Ammann y Marta Etura. Fue ganadora de tres premios Goya y cinco premios Gaudí.

La película está ambientada en un presunto futuro en el que los seres humanos viven rodeados de robots. Álex, un ingeniero cibernético muy importante regresa  a su ciudad natal para construir un niño robot por encargo de la Facultad de Robótica. Allí volverá a reunirse con su hermano y su mujer, y conocerá a la hija de estos Eva, con la que establecerá un gran vínculo y de la que descubrirá que no todo es lo que parece.

Algo interesante de la película, es que durante la creación del niño robot le surgen algunos problemas, ya que se trataba de un robot libre, y el software emocional que Álex creó le hacía ser en ocasiones demasiado temperamental. Sin embargo, todos los robots tenían un software emocional que se podía graduar con mayor o menor intensidad, a pesar de que estaban obligados a seguir las órdenes de los seres humanos.

Y yo me pregunto, ¿a que viene esta necesidad de dar sentimientos a una máquina? ¿Incluso a una cuyo único objetivo es limpiarnos la casa y prepararnos la comida? ¿Y cómo es posible que nos encariñemos tanto con una de esas máquinas, como para no destruirla cuando sabemos que puede ser peligrosa?

¿Qué ves cuando cierras los ojos?

Casalderrey Carballal, S1C, 1B1.

CINE vs LITERATURA

Odio que la gente valore más el cine que la literatura. O al menos esa es la impresión que da.
Va a hacer cuatro años que se publicó el primer libro de la trilogía “Los juegos del hambre” originalmente, y es ahora cuando la gente empieza a mostrar interés por ella. ¿Y eso por qué? Sencillamente, porque la película está en los mejores cines con una buena campaña publicitaria y en boca de todos.

¿Por qué los libros de Collins no tuvieron el mismo impacto en el público cuando salieron al mercado qué ahora? La historia es la misma. Los personajes no han cambiado. Todo es igual, salvo que ahora la película se encuentra en las grandes pantallas.

No soporto que se pueda ir al cine a ver una película que tiene un libro sin haberlo leído. Las películas se comen muchos detalles que pueden pasarse por alto para hacerla, pero que, quien ha leído el libro antes de ver la película, los echa en falta. Pueden parecer insignificantes pero no lo son y en muchos casos son la esencia de la historia.

Supongo que no soy la única que piensa así. Vosotros diréis.

Río Dovao, S3D, 3B3